Du 5 au 14 novembre aura la lieu la 11^ème édition du festival international du film d’Arras. On ne connaît pas encore la programmation définitive et complète mais sont, d’ores et déjà, prévus quelques rendez-vous alléchants :

1) des invités d’honneur : Olivier Assayas (« son » Carlos, a fait l’actualité de Cannes 2010), Anna Karina, actrice légendaire et Jerzy Skolimowski dont le dernier film a permis à Vincent Gallo de remporter un prix d’interprétation à Venise il y a quelques semaines.

2) des ciné-concerts (notamment Pierre et le loup, primé aux Oscars).

3) des hommages et rétrospectives consacrés d’une part à la Révolution française (à ne pas rater la projection des Deux orphelines de D.W. Griffith) et d’autre part aux mondes futurs version seventies (Kubrick, Lucas et bien d’autres).

Programmation disponible à partir de la mi-octobre sur le site suivant :

 http://www.plan-sequence.asso.fr/festival.

Quelques news ciné en cette (presque) veille de rentrée scolaire :

- Le cinéma français à nouveau en deuil : Alain Corneau vient de décéder. Après les disparitions de Bernard Giraudeau et de Bruno Cremer cet été, la série noire se poursuit implacablement.

- Le 1^er septembre, s’ouvre la 67^e Mostra de Venise dont le jury, cette année, est présidé par Quentin Tarantino. Arnaud Desplechin, Guillermo Arriaga et Danny Elfman assistent le président. Au programme et, en avant-première mondiale, les nouveaux films de Sofia Coppola, Darren Aronofsky, Vincent Gallo, Julian Schnabel, Tsui Hark, Takashi Miike, Tran Anh Hung, Jerzy Skolimowski. Du côté français, on suivra plus particulièrement la réception et le parcours des nouveaux Ozon (Potiche avec Deneuve) et Kechiche (Venus Noire), attendu comme un des grands moments de la rentrée ciné. 

- Enfin, dernière info, on vient d’apprendre qu’Isabella Rossellini (on ne la présente plus, mannequin, actrice et plus récemment réalisatrice, fille de qui vous savez, ex-compagne/égérie de qui vous savez) présidera le Jury de la prochaine Berlinale en février 2011.

« Et, à l’heure où je te quitte, oui, bien haut que je te l’avoue : tu n’a pas tort, toi qui juges que mes jours ont été un rêve (…) Tout ce que nous voyons ou paraissons n’est qu’un rêve dans un rêve » Edgar Allan Poe (1).

Christopher Nolan (à gauche) et une partie de son casting : Leonardo Di Caprio, Joseph Gordon-Levitt, Michael Caine, Marion Cotillard, Cillian Murphy et Ellen Page.

Inception de Christopher Nolan (2010)

        Bien sûr, il y eut la Coupe du monde… Et Roland Garros… Mais aussi l’increvable Tour de France ou encore les championnats d’Europe hier d’athlétisme aujourd’hui de natation. Bref, de quoi sustenter tous les sportifs, vrais ou faux, en vacances ou pas, pendant ces mois d’été. Super pour eux !

Mais, le vrai sport pour le cinéphile, pour l’amateur de films enchaînés à haute dose, en intraveineuse y compris l’été, consiste à dénicher parmi une offre pléthorique LE « blockbuster US » de la saison. Quel intérêt, me direz-vous, de se coltiner une énième production made in Hollywood dont la platitude (voire l’indigence dans de nombreux cas) du scénario le dispute à une mise en scène certes efficace mais très formatée ? Quel intérêt, en effet ? Peut-être bien la curiosité irrépressible de vérifier la bonne ou la mauvaise santé du cinéma hollywoodien, de s’assurer que ce cinéma, que l’on dit moribond et bien moins inventif que les séries télé sorties des mêmes tonneaux financiers et scénaristiques, est encore capable de bluffer le plus exigeant des spectateurs tout en lui assurant de passer un bon moment. Ça n’a l’air de rien comme ça mais la quête de ce type de film peut donner lieu à des débats enflammés dignes d’un Droit de réponse d’anthologie ou à des négociations bien pires en intensité que les discussions autour du Traité de Versailles après la fin de la Grande guerre. Vous en doutez ? Et vous auriez raison…

Pour ne pas se planter et risquer ainsi de foirer sa séance tout en se brouillant définitivement avec le cinéma mainstream (genre pourquoi filer à un réalisateur tant de millions de dollars pour nous refourguer cette bouse ?), il faut d’abord choisir avec soin et discernement le réalisateur. On le veut certes aguerri aux contraintes des films de studios, mais pas non plus ignoble tâcheron du style Michael Bay ou Roland Emmerich, maîtres es pyrotechnies sûrement très divertissantes mais un peu casse-couilles sur plus de deux heures de film ! Donc, on laisse de côté John Turtletaub et son Apprenti sorcier qui s’annonce bien lourdingue pour retenir finalement James Mangold (filmo pas trop dégueu depuis Heavy et Copland), M. Night Shyamalan (mouais, moi pas trop fan) et puis Christopher Nolan, auteur de Memento et du Prestige, récent « relookeur » de la plus célèbre chauve-souris de l’histoire de la B.D. et du ciné, proposant de nous convier à une Inception bien mystérieuse. On peut rajouter que la perspective d’un scénario bien ficelé qui évite de prendre le spectateur pour un demeuré même si l’originalité n’est pas forcément au rendez-vous et que certaines conventions sont respectées (film grand public oblige) est tout aussi déterminante dans le choix du film. On notera au passage que Christopher Nolan est l’auteur du scénario de son propre film, fait trop rare à Hollywood pour ne pas être souligné.

Qui dit « blockbuster » dit aussi star(s) à l’affiche. Et cet été, il faut l’avouer, on est particulièrement gâté. Rendez-vous compte : du couple ultra glamour formé par Tom Cruise et Cameron Diaz à Angelina Jolie (hum…), de Nicholas Cage (avec une affreuse coupe de cheveux pas glamour pour deux sous) à Leonardo Di Caprio chaperonné par Marion Cotillard (re-hum…), décidément abonnée à la grosse artillerie estivale made in US (souvenez-vous de sa prestation aux côtés de Johnny Depp dans Public Enemies de Michael Mann, l’été dernier), avouez qu’il faudrait être particulièrement retors pour faire la fine bouche ! Mais dans Inception, Leonardo, tout auréolé de la gloire tirée de Shutter Island, est un peu l’arbre qui cache la forêt en ce sens que le film de Nolan repose sur un casting alléchant composé d’habitués du cinéaste (Ken Wanatabe, Cillian Murphy, Michael Caine) et quelques têtes croisées de temps à autre dans des films plus underground comme Lukas Haas (Last Days) ou Joseph Gordon-Levitt (Neil de Mysterious Skin, c’est lui).

Sur la foi d’un casting à priori réussi, mais aussi du parcours de Nolan, du pitch de départ (un homme, Dominic Cobb, et son équipe cambriolent les rêves de puissants chefs d’entreprise à des fins d’espionnage industriel lorsqu’on lui propose l’expérience inverse c’est-à-dire de pratiquer une « inception », l’implantation d’une idée dans le subconscient d’un sujet), c’est donc Inception, la dernière réalisation du cinéaste et scénariste britannique, qui emporte le morceau. Doit-on le regretter ? Non, pas particulièrement puisque le film comporte de nombreuses qualités. A commencer par un scénario suffisamment malin permettant de proposer plusieurs niveaux de lecture, le moins évident de prime abord étant que le film serait une réflexion sur le pouvoir du cinéma (plus fort que le réel ?), et de ses limites (le héros, double fictionnel du réalisateur, perd quelqu'un ou quelque chose en cours de route mais retrouvera-t-il ce qu'il a perdu ?).

La seconde qualité du film est surtout de réussir le brassage de nombreuses influences : d’abord des références à la culture populaire (clin d’œil à la série Mission : Impossible entre autres) ; mais aussi des références cinéphiliques : Nolan ne cache d’ailleurs pas l’influence qu’ont pu exercée sur son projet des films comme Matrix, Dark City d’Alex Proyas ou encore eXistenZ de David Cronenberg (2) mais aussi l’empreinte de prestigieux réalisateurs comme Fritz Lang, celui des films noirs psychanalytiques (3) ou encore le Stanley Kubrick de Shining (pour la séquence de l’hôtel). Tous ces films, jusqu’au récent Shutter Island de Scorsese, sont construits sur la perception que se font leurs héros de la réalité et du présent, difficilement dissociables du souvenir/passé, du rêve, du jeu virtuel (Cronenberg) ou bien de la folie (Scorsese). En cela, Inception est le dernier avatar de ce type de films qui se plaisant à brouiller les repères entre différents niveaux de réalité.

Par ailleurs, le film recycle également (et habilement !) un certain nombre de grands mythes de la culture grecque antique. En effet, sur une trame tissée en coulisses par Hypnos et Thanatos, fils jumeaux de la Nuit, le personnage principal est conçu comme un avatar de ces demi-dieux et héros grecs tentant de défier les lois divines du temps et de l’espace (métaphore de tous les réalisateurs de films ?), finalement punis pour leur démesure (l’« hybris » grecque) et dont l’histoire n’a cessé de bercer nos lointaines années de collège et de lycée, à l’époque latinistes ou hellénistes en herbe fascinés par les aventures des Dieux de l’Olympe et des humains qu’ils ne cessaient de tourmenter. On pense avant tout à Prométhée ou Sisyphe (le seul qui a réussi, par la ruse, à enchaîner Thanatos) désobéissant aux Dieux ; on pense aussi à Thésée, référence la plus évidente puisque la seule collaboratrice du héros, architecte du dédale de rêves destiné à piéger une dernière cible, s’appelle Ariane et c’est elle qui le conduit à se replonger dans les tréfonds de souvenirs encore douloureux. On pense encore à Ulysse pour le portrait de l'homme empêché de rentrer chez lui et qui accomplit un certain nombre d’épreuves avant de retrouver sa famille. On pense enfin à Orphée puisque le héros tentera aussi de ramener du royaume des morts sa femme perdue.

Film à plusieurs niveaux de lecture (film d’espionnage, thriller d’anticipation, séance de psychanalyse, réflexion sur la perception de la réalité et sur le pouvoir du cinéma), alternant habilement moments de bravoure technologique (effets spéciaux utilisés avec pertinence), scènes d’action efficacement montées et temps de respiration nécessaires (notamment grâce à l’histoire d’amour, un peu de mélo ne fait jamais de mal, n'est-ce pas ?), Inception, malgré le faux « happy-end » ambigu assez prévisible, se révèle être une réussite. Alors, rassuré à l’issue de la séance, le spectateur peut quand même se dire qu’Hollywood n’est pas encore complètement mort !

Eric POPU

NOTES :

1. Extrait d’un de ses poèmes : « A dream within a dream », traduit par Stéphane Mallarmé et repris dans Contes, essais, poèmes, Collection Bouquins, Robert Laffont, 1989.

2. Lire l’interview du réalisateur dans les Inrockuptibles (n°764) de juillet 2010. On notera d’ailleurs que la structure du film de Nolan (emboîtement successif des récits à la manière de poupées russes) rappelle très étrangement la structure du film de Cronenberg, cinéaste qui a l’habitude d’influencer parfois les productions mainstream d’Hollywood : souvenons-nous d’Alien, le 8^ème passager de Ridley Scott (1979), qui présente d’étranges similitudes avec Shivers (Frissons en V.F.), premier long métrage du réalisateur canadien sorti en 1976.

3. On peut penser à La femme au portrait (1944) ou plus encore au Secret derrière la porte (1948), où l’on plonge, s’en rendre compte (petite différence avec le film de Nolan), dans l’inconscient du héros.

Ce qui est bien avec les Routes de la critique c’est qu’elle réserve toujours, au détour d’un chemin de traverse, quelques agréables surprises comme la découverte d’une perle précieuse du cinéma muet hollywoodien. Et surtout ne boudons pas notre plaisir puisque cette découverte se fait en compagnie de Lilian Gish et D.W. Griffith, à savoir deux monstres sacrés de l’histoire du cinéma…

A travers l’orage (Way Down East) de D.W. Griffith (1920)

        Lui est un des pionniers du cinéma américain (il commence à tourner en 1908) et du cinéma tout court, reprenant et perfectionnant les premiers codes de la grammaire cinématographique. Elle est une des premières grandes stars hollywoodiennes (après avoir été actrice de théâtre), celle à qui François Truffaut a dédié La Nuit américaine. A eux deux, ils ont régné sur le Hollywood naissant des années 10 et 20. Entre 1912 (An Unseen Enemy) et 1922 (Les Deux Orphelines), ce sont quatorze collaborations qui ont marqué l’histoire de D.W. Griffith et de Lilian Gish, celle du cinéma et des cinéphiles. Tous deux ont connu de grands succès ensemble ou séparément avant d’être, à l’aube des années 30, ostracisés par un système (1) et un public qui les avaient pourtant intronisés roi et reine d’Hollywood à l’époque des Rudolf Valentino, Charlie Chaplin, Cecil B. De Mille, Erich Von Stroheim, Gloria Swanson, Mary Pickford ou encore Douglas Fairbanks (2).

        Tous deux ont aussi préfiguré une des constantes de l’histoire du cinéma à savoir la fructueuse collaboration entre un réalisateur et son actrice ou son acteur principal(e), collaboration uniquement professionnelle dans le cas de Griffith et de Lilian Gish. Plus tard suivront Marlène Dietrich et Josef Von Sternberg, Errol Flynn et Raoul Walsh ou Michael Curtiz, James Stewart et Anthony Mann, Ingrid Bergman et Roberto Rossellini, Jean-Pierre Léaud et François Truffaut, Robert de Niro et Martin Scorsese, Isabelle Huppert et Claude Chabrol… La liste serait encore longue et probablement fastidieuse, en dépit des images de cinéma que leur évocation remue dans nos mémoires de cinéphiles !

         Au tout début des années 20, David Wark Griffith est connu pour ses qualités de conteur et sa filmographie, reposant le plus souvent sur des récits édifiants, puise aussi bien dans l’épopée (voir Naissance d’une nation et Intolérance) que dans le mélodrame hérité des feuilletons du XIXème siècle. A travers l’orage réalisé et sorti en 1920, appartient à cette seconde catégorie même si le film révèle un changement dans le peinture du personnage principal : en effet, jusqu’ici, D.W. Griffith s'était spécialisé dans les mélodrames victoriens et les intrigues à base d'innocence féminine menacée mais, le public commence à se lasser de la vertu sauvée et préservée. C'est donc une surprise de voir Griffith porter à l'écran un mélo de théâtre des années 1890, Way Down East. Le film raconte l’histoire d’Anna Moore, jeune fille simple et humble vivant à la campagne, qui, séduite et mise enceinte par un Don Juan aussi séduisant que machiavélique, tente d’oublier son passé, de fuir l’opprobre que lui vaut cette situation, de reconstruire sa vie après la perte de son enfant et de retrouver l’amour.

        Dans A travers l’orage, on ne badine ni avec l’amour ni surtout avec les principes moraux de droiture et de piété (la Bible est omniprésente comme il se doit, et les références au Livre, récurrentes). On ne rigole pas non plus sur l’honneur des femmes mises ainsi en garde contre les imprudences que peuvent leur faire commettre leur naïveté et leur innocence. A cette époque à Hollywood, entre la jeune fille virginale (figure qu’a souvent incarnée Lilian Gish chez Griffith) ou son pendant plus âgé, à savoir la femme irréprochable, discrète épouse, bonne mère de famille, et la vamp séductrice, toujours promise à un sort bien mérité c’est-à-dire la mort –combien de fois les héroïnes incarnées par Greta Garbo ont-elles été condamnées à mourir pour expier leurs turpitudes passées ?- il n’y a pas beaucoup d’entre-deux. La sainte ou la putain ! Ce schéma aura d’ailleurs la vie dure à Hollywood ! Tout comme l’opposition ville/campagne doublant l’opposition vice/vertu : c’est en ville en rendant visite à sa famille qu’Anna rencontre celui qui va la perdre et c’est en retournant à la campagne qu’elle pourra refaire sa vie. Le « happy end » de rigueur permet enfin au cinéaste de défendre les valeurs de rachat et de pardon, à la base du nouveau départ d’Anna. Son « sauvetage » de la rivière en dégel est d’ailleurs une des séquences d’anthologie du film, comme savait en concocter Griffith. Très attentif au rythme de la narration et donc à l’efficacité du récit, le réalisateur crée d’ailleurs à ce moment-là un suspens haletant, entretenu par le recours au montage alterné. Car, et c’est une des points forts du film, Griffith perfectionne certaines techniques cinématographiques de base, si on peut dire, et A travers l’orage permet de prendre la mesure d’un style qui influencera ses contemporains (Von Stroheim, Walsh, W.S. Van Dyke ont tous été assistants de Griffith) mais aussi ses successeurs.

        Au-delà du prêchi-prêcha réglementaire à cette époque (sauf chez Von Stroheim beaucoup plus sombre lorsqu’il s’agit d’analyser les rapports humains et de montrer les noirceur de l'âme humaine), le film dispose de solides qualités à commencer par ses atouts techniques. A travers l’orage montre l’influence qu’a pu avoir Griffith dans l’histoire du cinéma à commencer par son art du montage. Selon Joël Magny, « on a attribué à tort à l'Américain David Wark Griffith des «inventions» qu'il n'a fait que perfectionner. Dans le domaine du montage, il a généralisé et surtout systématisé les montages narratifs, parallèles ou contrastés. À partir de 1908, avec Le Télégraphiste de Lonedale ou Les Mousquetaires de Pig Alley, il perfectionne le montage «continu», constituant un espace cinématographique homogène, fluide, linéaire, aux points de vue multiples, mais sans rupture, préfiguration du montage invisible du cinéma classique hollywoodien qui se généralisera avec le parlant et connaîtra son apogée dans les années 1950. » (3) Griffith travaille aussi la richesse et la diversité des plans, la profondeur de champ et choisit aussi des cadrages inédits.

        C’est ce qui lui permet aussi de mettre en valeur l’autre atout du film : Lilian Gish, actrice chevronnée (elle a commencé au théâtre dans une troupe de comédiens ambulants avec sa mère et sa sœur Dorothy dès le début du XXème siècle), magnifiée par la mise en scène de Griffith, grâce aux éclairages et aux gros plans, inventés dit-on par le réalisateur (mais c’est aussi une légende !) pour son actrice dans le but de susciter l’émotion et l’empathie du spectateur : la recherche de l’identification du spectateur au héros ou à l’héroïne du film devenant une des règles d’or d’un « star-system » naissant.

        Alors, affronter l’orage avec Miss Gish et son réalisateur attitré, c’est aussi se replonger dans l’histoire de cette monstrueuse machine qu’est Hollywood. Et ce n’est pas le moindre des mérites de ce film !

                                                                                         Eric POPU 

Lilian Gish (1893-1993), une des premières reines d'Hollywood.

NOTES :

1. Le passage au parlant a été très difficile pour de nombreux réalisateurs et/ou acteurs de l'époque du muet. C'est le cas de Griffith qui tourne son dernier film en 1931. Cinéaste controversé depuis Naissance d'une nation (1915) qui remporte pourtant un grand succès public, la fin de carrière de Griffith est marquée par des échecs financiers et une perte d'indépendance artistique qu'il a du mal à accepter. Il reçoit un Oscar d'honneur en 1936. Lilian Gish, de son côté, tourne son premier film parlant en 1930, une comédie romantique qui ne remporte que peu de succès. Elle est alors "concurrencée" par de nouvelles actrices au succès confirmé pour certaines (Garbo) ou grandissant pour d'autres (Dietrich). L'histoire veut que Louis B. Mayer, le tout-puissant patron de la M.G.M., studio avec lequel elle est sous contrat ne soit pas complètement étranger à sa disgrâce. L'actrice renoue avec le théâtre et ne revient sur les écrans qu'après la Seconde Guerre mondiale dans Duel au soleil de King Vidor (1946). Une de ses meilleures prestations d'après-guerre reste son rôle de Rachel Cooper dans La Nuit du chasseur de Charles Laughton (1955).

2. Charles Chaplin, D.W. Griffith, Douglas Fairbanks et Mary Pickford fondent en 1919 la "United Artists Corporation". C'est une société de diffusion et de production indépendante des grands studios et conçue comme une coopérative qui privilégie les réalisateurs en leur octroyant un droit de contrôle artistique et commercial sur leurs productions.

3. Joël Magny, article « Histoire du montage », Encyclopédie Universalis en ligne.

David Wark Griffith (1875-1948), cinéaste pionnier et controversé, pygmalion

de Lilian Gish.

On peut commencer par se précipiter à Gravelines (59) pour admirer (pincez-moi, je rêve !) l'oeuvre lithographique (2007-2009) d'un cinéaste mutli-fonctions que beaucoup vénèrent : David Lynch. L'expo se tient du 27 juin au 17 octobre au Musée du dessin et de l'estampe originale à Gravelines... En attendant la retrospective Lynch à la Cinémathèque de Paris prévue pour l'automne...

On aura peut-être l'occasion de vous reparler de tout cela sur ce blog !

David Lynch, a man at work...

Le plus des Routes de la critique :

Personnalisez votre accompagnement sonore lors de la visite de l'expo. Dans votre i-pod :

- toutes les BOF de Blue Velvet à INLAND EMPIRE.

- les deux albums mythiques de Julee Cruise, la chanteuse de Twin Peaks (Floating into the night et The voice of love), du sur mesure par Lynch himself et Angelo Badalamenti. Pour info, la belle a depuis sorti un album en 2002, qui est passé un peu inaperçu (The art of being a girl) puis a travaillé avec le groupe Pluramon.

- Blue Bob, l'album par David Lynch et John Neff.

David Lynch sur le blog des Routes de la critique : On the road again avec David Lynch (critique d'Une histoire vraie).